EN :

Nicole Côté examines literary representations of Franco-Canadians’ linguistic minorization as they negotiate with hegemonic English. She suggests that Franco-Canadian theatre reflects the self-translation of the minorities through its heterolinguism and stages their linguistic and cultural hybridity. These plays offer heteroglossic representations that bear witness to the multiple tensions of the minority and migrant communities. They represent the cultural/linguistic self-translation at work, reflecting identities torn between the need to forge a stable core and the adaptation necessary to survive as a minority within the hegemonic group. Thus, the plays examined here belong to Franco-Canadian drama not only because of their themes, but also because of their particular code-switching, where French remains the substrate language. These dramatic representations attest, on a formal level, to the vulnerability of French in a minority context, as well as, on a thematic one, to the resilience of minority communities in constant self-translation, as shown in Elephant Wake , by Joey Tremblay; Sex, Lies et les FrancoManitobains , L’année du Big Mac , and Fort Mac , by Marc Prescott; and Rearview , by Gilles Poulin-Denis.

FR :

Cet article porte sur les représentations littéraires de la minorisation linguistique et culturelle des Franco-Canadiens et leurs négociations avec l’hégémonie anglaise telles qu’elles sont représentées dans le théâtre franco-canadien de l’Ouest. Les productions théâtrales franco-canadiennes constituent des artéfacts culturels témoins des négociations des francophones minoritaires avec l’hégémonique anglophone. Elles donnent à entendre un hétérolinguisme particulier qui reflète l’auto-traduction des populations dont elles sont issues et témoigne de leurs constantes négociations avec l’hégémonie anglophone. Il n’est donc pas étonnant que dans les pièces de théâtres franco-canadiennes soient représentées des identités sociales dont le noyau est particulièrement instable : cette instabilité serait le gage d’une ouverture à l’autre, d’une grande capacité d’adaptation. L’analyse portera sur les relations entre le minoritaire et l’hégémonique, avant de se pencher sur l’hétérolinguisme dans quelques pièces de dramaturges franco-canadiens de l’Ouest : Elephant Wake , de Joey Tremblay ; Sex, Lies et les FrancoManitobains , L’année du Big Mac et Fort Mac , de Marc Prescott ; et Rearview, de Gilles Poulin-Denis.

EN :

The work of Vancouver-based Métis playwright Marie Clements has often been commended for its emphasis on the connections that inhere among people and places, times and spaces. The time-space conversations of Burning Vision , one of the most spatially and temporally diverse of Clements’s works, have thus far been explained in terms of their ecological and indigenizing effects. While revelations of connectivity and windows opened onto alternate conceptions of spatio-temporality are significant results of the intercultural moments where Clements brings discrete times and places into conversation, it is also useful to acknowledge another, more immediate result of such dialogues: audience confusion, alienation, and disbelief. Such confusion points to a significant but as-yet unaddressed aspect of the Burning Vision : the way the play’s materiality works against its fiction, impeding audience immersion in the story unfolded. This article draws out this conflict through a phenomenological approach that illuminates how the refusal of the work’s material reality to disappear behind its fiction—to slip around the backside of the frontside illusion—prompts a productive kind of disbelief that structurally underlines the work’s arguments for interconnectedness.

FR :

L’œuvre de Marie Clements, dramaturge métisse vivant à Vancouver, a souvent été louée pour l’importance qu’elle accorde aux liens entre personnes et lieux, époques et espaces. Les conversations sur le temps et l’espace dan Burning Vision , l’une des pièces de Clements les plus diversifiées sur le plan du temps et de l’espace, ont été explorées jusqu’ici en fonction de leurs qualités écologiques et indigènes. Si on a souligné l’importance des connexions et les conceptions différentes de la spacio-temporalité qui résultent des moments interculturels où Clements fait dialoguer les temps et les lieux, il faut aussi mentionner l’effet immédiat que créent ces échanges!: la confusion, l’aliénation et l’incrédulité du public. Cette confusion révèle un aspect important de Burning Vision dont l’étude a été jusqu’à présent négligée : la façon dont la matérialité de la pièce va à l’encontre de sa fiction et pose un obstacle à l’immersion du public dans le récit qui se déroule. Dans cet article, Alana Fletcher analyse ce conflit en adoptant une approche phénoménologique qui éclaire la façon dont la matérialité de l’œuvre refuse de disparaître derrière sa fiction—de passer derrière l’illusion qui est créée devant—et provoque une incrédulité qui mine le thème de l’interconnexion dans la structure même de l’œuvre.

EN :

Contemporary Western theatrical productions with themes about aging and old age often yoke aging to decline by highlighting narratives of dependency and loss in their live performances. One reason is a tendency to interpret scripts through the lens of chronological time, a sense of time that defines age solely in terms of number of years lived, and creates rigid expectations about life-stages. Recognizing the limitations of the life-stage model, postmodern theorists, building on Judith Butler’s discourse on gender, have considered age in terms of its performativity and looked to theatre as a way to study this. Such discourses dismiss the idea that aging involves embodiment of time because, in postmodern tradition, they do not want to understand time as simply progressive and linear. However, some age theorists argue that postmodern definitions of age are problematic because they deny the very real effects of time on the body. By contrast, theatre and age studies scholar Anne Davis Basting insists that there can still be a postmodern poetics of the aging body that acknowledges its temporal component. In this article, Julia Henderson uses Basting’s "depth model of aging" to analyze age-effects in a Vancouver production of Shakespeare’s King Lear by Honest Fishmonger’s Equity Co-op. Through a close reading of the actors’ embodied performances and her affective response to them, Henderson argues that Basting’s model reveals how the contemporary production of a classical work can engage with postmodern concepts of time while still considering age. In doing so, the production highlights more positive age narratives rather than reinforcing a narrative of decline. Henderson extends Basting’s model by drawing connections with Marvin Carlson’s theory of theatrical ghosting, suggesting that reception of theatrical performances of age is not only influenced by layering of memories of past performances of age on stage, but also by a kind of anticipatory quality engendered by the ghosting process, which she terms a "ghosting forward." Connecting these theories offers a way to differentiate between performances of age without relying on a chronological sense of time or restoring age binaries. Henderson’s analysis contributes to the rather new body of research at the intersection of age studies and Canadian theatre studies.

FR :

En Occident, les productions théâtrales contemporaines qui abordent les thèmes du vieillissement et de la vieillesse les présentent souvent comme un déclin dans des spectacles qui privilégient les récits de dépendance et de perte. Cela relève en partie d’une tendance à interpréter les pièces à travers le prisme du temps chronologique, lequel définit l’âge uniquement selon les années vécues et crée des attentes strictes à l’égard des étapes de la vie. Quelques théoriciens postmodernes ont identifié les limites du modèle axé sur les étapes de vie. Ils se sont inspirés des écrits de Judith Butler sur le genre pour examiner l’âge en termes de performativité et se sont tournés vers le théâtre comme terrain d’enquête. Ces écrits rejettent l’idée que le vieillissement soit l’incarnation du temps puisque la tradition postmoderne ne conçoit pas le temps comme étant purement progressif et linéaire. Certains théoriciens du vieillissement font valoir que les définitions postmodernes de l’âge posent problème parce qu’elles refusent de reconnaître les effets très réels du temps sur le corps. Anne Davis Basting, chercheure en théâtre et en études du vieillissement, soutient quant à elle qu’il est possible d’imaginer une poétique postmoderne du corps vieillissant qui saisit la composante temporelle du phénomène. Dans cet article, Julia Henderson se sert du «! depth model of aging » de Basting pour analyser des effets du vieillissement dans une production de King Lear de Shakespeare présentée à Vancouver par la compagnie Honest Fishmonger’s Equity Co-op. Par une lecture attentive des performances corporelles des acteurs et de sa propre réaction affective, Henderson fait valoir que le modèle de Basting montre comment la production contemporaine d’une œuvre classique peut faire appel à des concepts postmodernes du temps tout en tenant compte de l’âge. Ainsi, la production met de l’avant des récits plus positifs du vieillissement au lieu de renforcer un discours négatif du déclin. Henderson prolonge le modèle de Basting en le reliant à la théorie du spectre théâtral de Marvin Carlson et suggère que la réception de performances théâtrales du vieillissement est marquée non seulement par une superposition de souvenirs d’anciennes performances scéniques de la vieillesse mais aussi par une sorte d’anticipation engendrée par un processus spectral que Henderson appelle «! ghosting forward ».!Établir un lien entre ces théories permet à Henderson d’opérer une distinction entre les performances de la vieillesse sans devoir s’appuyer sur un sens chronologique du temps ou rétablir des binarités liées à l’âge. Son analyse contribue à un corpus de recherche récent qui se situe au croisement des études sur le vieillissement et des études théâtrales au Canada.

EN :

In this article, Stephen Low argues that Edouard Lock’s choreography for La La La Human Steps embodies temporalities that expose how the normative experience of time determines and limits our visual and theoretical perceptions of the gendered body. Focusing on movement executed at hyper-fast virtuosic speeds seen in La La La Human Steps’ recent work Untitled , Lock’s choreography demonstrates possibilities of corporeal transformations through the way the body is perceived in time through movement. The analysis of Lock’s choreography expands the theories of queer time elucidated by Judith Halberstam in her book In A Queer Time and Place beyond temporalities defined by non- normative life schedules to include non-normative temporalities determined by how subjects move in and through time. Furthermore, the examination of the effects of hyper-fast movement exposes how Judith Butler’s theory of gender performativity remains contingent on normative temporalities that allow the body to be seen as gendered in a stable and coherent manner. The aesthetic of speed embodied by Lock’s choreography is acknowledged to be both simultaneously destructive, in that it undoes the stability and coherency of gender as ascertainable by the act of seeing the body, and generative, in that it offers modes of challenging gender norms that do not require medical technologies. In other words, through an aesthetic that employs virtuosic speed, Lock offers a concept of queer temporality that allows a subject to embody the trans in “transgender.”

FR :

Dans cet article, Stephen Low soutient que les chorégraphies d’Edouard Lock pour La La La Human Steps incarnent des temporalités qui font voir comment l’expérience normative du temps détermine et limite nos perceptions visuelles et théoriques du corps genré. Les chorégraphies de Lock reposent sur des mouvements exécutés à des vitesses vertigineuses et virtuoses telles qu’illustrées dans Untitled , une production récente de La La La Human Steps qui montre des possibilités de transformation corporelle par la façon dont le corps est perçu dans le temps à travers le mouvement. L’analyse de la chorégraphie de Lock prolonge les théories de «!temps queer » proposées par Judith Halberstam dans In A Queer Time and Place au-delà des temporalités définies par des horaires de vie non normatifs pour inclure des temporalités non normatives déterminées par la façon dont les sujets se déplacent dans et à travers le temps. Qui plus est, l’examen des effets du mouvement hyperrapide démontre à quel point la théorie de la performativité du genre de Judith Butler demeure tributaire des temporalités normatives qui permettent au corps d’ être vu comme genré de manière stable et cohérente. L’esthétique de la vitesse incarnée par la chorégraphie de Lock est reconnue comme étant à la fois destructrice, en ce qu’elle mine la stabilité et la cohérence du genre vérifiables par la seule action de voir le corps, et génératrice, en ce qu’elle propose des moyens de contester les normes liées au genre sans recourir à des technologies médicales. Autrement dit, Lock propose, au moyen d’une esthétique qui emploie une vitesse virtuose, une perception de la temporalité queer qui permet au sujet d’incarner le trans- dans «!transgenre!».

EN :

Sathya Rao and Larry Gagné investigate the different uses of the notion of “community theatre” in light of the many institutional and economic constraints exerted on Edmonton-based Francophone theatre between 1970 and 1990. Sometimes synonymous with amateur theatre and sometimes overlapping with professional theatre, community theatre is in search of a renewed grassroots identity. !As a result of various circumstances in the early 1990s, community theatre endorses not only a peculiar dramaturgy, but also a new institutional framework.

FR :

Cet article tente de retracer les différents usages de la notion de théâtre communautaire à la lumière des diverses contraintes institutionnelles et économiques qui pèsent sur le théâtre francophone à Edmonton entre 1970 et 1990. Tantôt synonyme de théâtre amateur tantôt empiétant à l’occasion sur le terrain du théâtre professionnel, le théâtre communautaire est à la recherche d’une identité lui assurant une assise populaire. Sous l’effet d’un certain nombre de circonstances, il se trouve au début des années 1990 non seulement une dramaturgie propre, mais également une forme institutionnelle.

EN :

In 2008, Globe and Mail theatre critic J. Kelly Nestruck made a significant remark about Canadian theatre and the War on Terror, noting a clear absence of stage plays that addressed Canada’s participation. There was, however, a long-running CBC radio drama series, Afghanada, which centred fully on the experiences of Canadian soldiers in Afghanistan. Because relatively little research has yet to be published about the radio series, Lindsay Thistle details Afghanada’s production history, major players, creative processes and goals. She also considers how the radio medium affected the objectives of the series and its ability to represent war, ultimately arguing that Afghanada was inescapably politicized through its relationship with national institutions, its interest in realistic and true-to-life stories, its focus on everyday soldiers, its casting choices and its inclusion of post-traumatic stress disorder. Throughout this investigation, Thistle raises important questions about the politics of dramatizing war while Canada itself was at war. She concludes by observing that while Afghanada avoids an explicit message in support of or against the Canada’s involvement in the War on Terror, it engaged with the political from its inception, through its creation, and in its reception.

FR :

En 2008, J. Kelly Nestruck, critique de théâtre au Globe and Mail , faisait une remarque importante au sujet du théâtre canadien et de la guerre contre le terrorisme en soulignant l’absence manifeste de pièces de théâtre traitant de la participation du Canada. Toutefois, la CBC a diffusé à l’époque un feuilleton radiophonique de longue durée intitulé Afghanada qui dramatisait des expériences vécues par des soldats canadiens en Afghanistan. Cette série radiophonique ayant fait l’objet de peu d’études, Lindsay Thistle retrace dans cet article l’historique de la production d’ Afghanada et décrit ses principaux intervenants, les processus créatifs employés et les objectifs de la série. Elle examine également de quelle façon le médium radio a pu affecter les objectifs de la série et sa capacité de représenter la guerre, faisant valoir, en fin de compte, qu’ Afghanada était inévitablement politisée à travers son rapport avec des institutions nationales, son intérêt pour les récits réalistes et véridiques portant sur de simples soldats, ses choix dans la distribution des rôles et sa décision d’aborder le trouble de stress post-traumatique. Au fil de son enquête, Thistle soulève des questions importantes sur la politique de la dramatisation de la guerre à une époque où le Canada participait lui-même au combat. Elle conclut en observant que, si Afghanada évite de communiquer un message explicite pour ou contre la participation du Canada à la guerre contre le terrorisme, la série a contribué au débat politique, depuis sa création jusqu’à sa réception.