En novembre 2015, la première édition du symposium international Apprentissage et enseignement de la musique au xxi^e siècle : L’apport des sciences et des technologies (LTM/AEM21) a eu lieu à Montréal. Organisé conjointement par l’École de musique Schulich de l’Université McGill et le Département de musique de l’Université du Québec à Montréal (UQAM), cet évènement d’envergure a permis aux participants de réfléchir à plusieurs enjeux quant à l’apprentissage et l’enseignement de la musique, à l’aube d’un siècle où la technologie bouscule les pratiques et où la science s’intéresse aux méandres d’une pratique musicale en constante évolution. Ainsi, ce numéro spécial des Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique présente des articles qui approfondissent la réflexion entamée lors de ce symposium. À l’image de cette rencontre, ce numéro reflète le caractère inclusif de l’évènement qui a eu lieu dans les deux langues officielles et offre des articles en français et en anglais. La formation artistique s’effectue encore souvent dans une dynamique maître-élève de transmission du savoir-faire qui repose sur l’expérience du maître, sa renommée et la tradition dont il est issu. En musique aussi, la qualité de l’apprentissage d’un instrument et de l’enseignement dispensé repose souvent sur un modèle de compétence hiérarchique. En effet, on est souvent tenté de croire que les qualités de pédagogue d’un maître soient garanties par le fait qu’il ait été lui-même l’élève d’un musicien reconnu, et que les résultats seront assurément au rendez-vous dès qu’un élève a du talent et qu’il travaille assidûment son instrument. Mais qu’en est-il vraiment ? La science peut-elle nous aider à comprendre et à faciliter l’apprentissage ? Peut-on créer des pédagogies basées sur les faits avérés et démontrés par la science ? Et qu’en est-il de la technologie ? Est-elle garante de succès à tout âge ? Peut-elle indubitablement faciliter l’apprentissage d’un instrument ? En plus d’offrir des outils favorisant les pratiques musicales plus traditionnelles, la technologie change la conception même de ce qu’est l’acte musical et, par le fait même, son enseignement. En effet, si par le passé la composition exigeait de connaître la théorie musicale et ses règles ainsi que de posséder une certaine maîtrise instrumentale, les nouveaux instruments numériques étonnent par la simplicité de leur utilisation. Les timbres sont nouveaux, les paramètres musicaux faciles à modifier et les possibilités créatives sont décuplées et souvent instantanées. Vincent Bouchard-Valentine nous présente un historique de la création sonore en Europe et en Amérique du Nord au xx^e siècle, création faisant appel à divers dispositifs, certains antérieurs à l’arrivée du numérique, qui ont ouvert la voie à une conception nouvelle des interactions entre le son, la musique et composition. L’arrivée puis le développement d’interfaces numériques de plus en plus conviviales ont favorisé l’émergence d’un outil qu’il nous présente dans un texte intitulé « fonofone pour iPad et iPhone : Cadrage historique et curriculaire d’une application québécoise conçue pour la création sonore en milieu scolaire ». Pascal Terrien constate aussi que la technologie numérique permet aux élèves de développer un autre rapport aux sons, une autre manière d’entendre et de produire la musique en permettant de l’organiser selon leur créativité. Dans son article « Des logiciels audio-vidéo à l’enseignement de l’éducation musicale dans l’enseignement secondaire français », il nous expose les résultats d’une recherche-action menée auprès d’un collectif de professeurs d’éducation musicale et de chant choral français. Il explique en quoi cette expérience pédagogique et technologique modifie les rapports didactiques des professeurs et de leurs élèves. De plus, il observe des changements dans les pratiques enseignantes qui placent dorénavant l’élève au centre du dispositif pédagogique, de même que l’exploration …