EN:

These mixed-media watercolour collages were made in response to a participatory museum workshop and collaborative art making event held at the Redpath Museum at McGill University. These research-creation collages, part of a larger series of eight, draw on participant discourse relating to critical concepts of habitat loss, species containment and the finality of extinction, inspired by a Whooping crane (Grus americana) specimen housed in the museum. The artworks play on the visual language of the museum habitat diorama and reverse the “window on nature” concept inherent in that tradition. In these collages, the highly endangered whooping cranes are depicted in two distinct contexts; first, in their natural prairie wetland habitat as if undisturbed by human influence, and secondly, framed in the window of the Redpath museum, gazing longingly at the sky in which it will never again fly free.

FR:

Ces collages d’aquarelle multimédia ont été réalisés dans le cadre d’un atelier muséal participatif et d’un événement collaboratif de création artistique organisés par le Musée Redpath de l’Université McGill. Ces collages de recherche-création, extraits d’une série de huit, s’inspirent du discours des participant.e.s entourant les concepts critiques de perte d’habitat, de confinement des espèces et de finalité de l’extinction, à partir d’un spécimen de grue blanche (Grus americana) hébergé par le musée. Ces œuvres d’art reprennent le langage visuel du diorama sur l’habitat proposé par le musée en inversant le concept traditionnel de « fenêtre sur la nature ». Ces collages illustrent de deux façons distinctes les grues blanches, menacées d’extinction : tout d’abord dans leur habitat naturel en milieu humide des prairies, comme si elles échappaient à l’influence humaine, puis à travers la vitrine du Musée Redpath, fixant avec envie le ciel dans lequel elles ne voleront jamais plus librement.

EN:

This paper explores how critical acts of making during a participatory museum workshop and subsequent studio-based research-creation can inspire poly-vocal discourses around museum taxidermy as repositories of complex histories. Centred on four animals on display at the Redpath Museum, this research program sought to reanimate these animals and reposition their context within the museum space and the wider world. Through collaborative exploration and creative acts of making, art educators can engage and shape the discourse around taxidermied animal bodies, giving them new life as tools for teaching and learning in museum spaces.

FR:

Cet article décrit en quoi les gestes critiques de création dans le cadre d’un atelier muséal participatif et la création subséquente en studio, fondée sur la recherche, nourrissent les discours plurivoques sur la taxidermie muséale en tant que référentiels de récits complexes.Articulé autour de quatre animaux exposés au Musée Redpath, ce programme de recherche entendait redonner vie à ces animaux et à les remettre dans leur contexte, à la fois dans le cadre de l’espace muséal et dans l’univers en général. Les éducatrices et éducateurs d’art peuvent, par le biais d’une exploration collaborative et des gestes de création, initier et façonner le discours entourant les corps d’animaux empaillés et leur redonner une nouvelle vie en tant qu’outil d’enseignement et d’apprentissage au sein de l’espace muséal.

EN:

This paper examines some of the ways that Canadian art museum education departments used Instagram during the COVID-19 pandemic, particularly for young virtual visitors. The author studied this use of Instagram through a visual content analysis of ten Canadian museums’ educational posts, stories and IGTV videos, using the theory of connectivism and the way learners can engage with learning opportunities outside of their physical environments. The findings from this study reveal that Instagram became instrumental in allowing museum educators to continue their mission of promoting meaningful engagement with collections for their visitors.

FR:

Cet article examine comment les services éducatifs des musées d'art canadiens ont utilisé Instagram pendant la pandémie de COVID-19, notamment pour les jeunes visiteurs virtuels. L'étude se penche sur l’utilisation de cette plateforme par le biais d'une analyse du contenu visuel des publications éducatives, des récits et des vidéos IGTV de dix musées canadiens, à la lumière du connectivisme et de l'apprentissage séquentiel. Les résultats révèlent qu'Instagram est devenu un outil permettant aux éducateur·trice·s muséal·e·s de poursuivre leur mission de promouvoir l’implication marquée des visiteurs envers les collections.

EN:

This paper explores research in how students with Attention Deficit HyperactiveDisorder (ADHD) experience temporality. Using a phenomenological lens, the author looks forclues in the writings on temporality by philosopher, Martin Heidegger. Her goal is to establish aphilosophical framework for developing practical approaches to teaching art to secondarystudents that address the difference in temporal perception of students with ADHD in an effort tocreate a more inclusive learning environment.

FR:

Cet article traite de la recherchesur la façon dont les étudiantes et étudiants atteints de trouble déficitaire de l’attention avec hyperactivité (TDAH) vivent la temporalité. Privilégiant la perspective phénoménologique, l’autricerecherche des indices suggérant que les étudiantes et étudiants atteints du TDAHperçoivent le temps différemment de celles et ceux qui n’ont pas de TDAH. L’autrice s’inspire des écrits sur la temporalité du philosophe Martin Heidegger pour souligner l’importance de la subjectivité au regard de la perceptionde la temporalité.Elle souhaite ainsi établir un cadre philosophique pour élaborer des approches pratiques d’éducation artistique au secondaire qui tiennent compte des particularités de la perception temporelle chez la clientèle étudiante atteinte de TDAH, de manière à créer un milieu d’apprentissage plus inclusif.

EN:

Creative skill-building is a major focus of educational systems around the world. In this article, we draw on data from four K-12 visual arts teachers to illustrate pedagogical strategies used to support students’ creative development. We adopt Teresa Amabile’s Componential Theory of Creativity to frame the teachers’ approaches to creative skill-building, identifying how they nurtured students’task motivation, domain-specific skills, and creativity-relevant processes. By presenting the teaching strategies in this way, we hope to enable art educators to recognize, shape, and enhance how their own teaching can support the development of student creativity in the visual arts classroom.

FR:

Le développement des habiletés créatrices est le principal objectif des systèmes d’éducation à l’échelle mondiale.Cet article exploite les données fournies par quatre enseignantes en arts visuels, de la maternelle à la 12e année, pour illustrer les stratégies pédagogiques utilisées pour favoriser le développement créatif de la clientèle étudiante. Nous nous servons de la théorie componentielle de création de Teresa Amabile pour cerner les approches du corps enseignanten matière de développement des habiletés créatrices et identifier la façon dont elles favorisent chez l’étudiante et l’étudiant la motivation, les habiletés ciblées et les processus de création. En introduisant ainsi les stratégies d’enseignement, nous souhaitonsaider les éducatrices et éducateurs d’art à reconnaître, façonner et améliorer la façon dont leurs approches pédagogiques peuvent contribuer au développement de la créativité étudiante en classe d’arts visuels.

FR:

Cet article met en lumière les intrications entre le design d’innovations pédagogiques propres à la recherche design en éducation et l’expérience sensible de l’ordre de l’artistique comme méthode de recherche, caractéristique de la recherche-création. En présentant la réalisation d’une étude pilote en éducation artistique, l’autrice démontre comment la recherche design en éducation bénéficie du processus de création artistique et des orientations épistémologiques de la recherche-création pour la conception et l’implantation d’un design éducatif. Cette intrication du processus de création au cœur de la production du design peut ainsi contribuer à la génération de nouveaux savoirs, spécifiquement reliés au champ de l’éducation artistique.

EN:

This article highlights the intricacies between the design of pedagogical innovations specific to design-based research and the artistic experience as a method, characteristic of research-creation. The author presents a pilot study in art education and demonstrates how design-based research benefits from the artistic process and from the epistemological orientations of research-creation for the conception and the implementation of an educational design. This entanglement of the artistic process at the heart of design production can thus contribute to the generation of new knowledge, specifically related to the field of art education.

EN:

During the various stages of the Covid 19 pandemic, artistic practices have become increasingly important in managing the complexity of the impacts of the pandemic (Sabol, 2022). From simple rainbow drawings to musicians performing from their balconies, creating art has been essential to navigating these unprecedented times as we encounter our lives through different lenses due to new and shifting realities. In 2021, Dr. Julie Ethridge, Vice President of the CSEA/SCÉA invited artists of all artistic backgrounds to submit work that was shaped and created during the first 12 months of the global pandemic that addressed how (if) the pandemic intersected with their artistic practice. The works that were included in the virtual exhibit that ran from July to October 2021 are shown here, with the artist’s statements.

FR:

L’art a été à l’avant-scène au cours de la pandémie de COVID-19.De simples dessins d’arcs-en-ciel aux performances musicales sur des balcons,la création artistique a été indispensablepour naviguer en cette période sans précédent et gérer nos vies dans une optique inédite, en fonction des nouvelles réalités imposées par la pandémie de coronavirus. La CSEA/SCÉA a invité des artistes de toutes origines artistiques à soumettre des œuvres créées et façonnées au cours des douze premiers mois de pandémie mondiale, révélant en quoi cette pandémie avait, le cas échéant, affecté leur pratique artistique.